Art contemporain en province
Vendredi 10 novembre 2006
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Moins de quatre ans après que la décision de créer le Centre Pompidou-Metz ait été rendue, la première pierre de l’édifice est posée le 7 novembre 2006.
Dessiné par Shigeru Ban et Jean de Gastines, le bâtiment sera élevé dans le Quartier de l'Amphithéâtre (anciennes friches d'une superficie approximative de 50 hectares, à proximité de la gare TGV
et du centre-ville). Il comprendra trois galeries d'exposition modulables et sera surmonté d’une toiture, aux allures de chapeau chinois tressé.
La cérémonie officielle de la pose de la première pierre a entre autre rassemblé : Renaud Donnedieu de Vabres (ministre de la culture et de la communication), Jean-Marie Rausch (président de
la Communauté d’Agglomération de Metz Métropole), Bruno Racine (président du Centre national d’art et de culture Georges Pompidou), Madame Georges Pompidou, Christian Eckert (vice-président du
Conseil régional de Lorraine), Alain Hethener (vice-président du Conseil général de la Moselle), André Nazeyrollas (vice-président de la Communauté d’Agglomération de Metz Métropole et Premier
adjoint au Maire de Metz), Alfred Pacquement (directeur du Musée national d'art moderne) et Laurent Le Bon (conservateur du Centre Pompidou-Metz).
Le budget total de l’opération est fixé à 60 millions d’euros (hors taxes, valeur 2006) : 45 millions d’euros (pour les travaux de construction du bâtiment) et 15 millions d’euros (pour les
honoraires, le mobilier, les aménagements intérieurs et extérieurs et les frais divers).
La Communauté d’Agglomération de Metz Métropole (CA2M), compétente en matière de grands équipements culturels, est le maître d’ouvrage du Centre Pompidou-Metz qu’elle finance majoritairement – à
hauteur de 34 millions d’euros. Les autres financements proviennent de l'Etat (4 millions d'euros), de l'Union européenne (Feder, 2 millions d'euros), du Conseil Régional de Lorraine (10 millions
d'euros) et du Conseil Général de la Moselle (10 millions d'euros).
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Par Jean-david Boussemaer
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Dimanche 1 octobre 2006
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Le cycle des « Revues parlées » se place, cette année, sous le signe de l’amitié. Premier
invité : le Fonds régional d'art contemporain de Lorraine, à proximité duquel le Centre Pompidou de Metz viendra, dès 2008, se greffer. Principalement axée autour de l’invisible, sa
collection renferme une pléthore d'œuvres n’ayant pas été produites en vue d'être conservées...
Béatrice Josse, directrice du Frac
A travers son action, Béatrice Josse tente de renverser le monde et déconstruire les frontières (cf. la création
de la nouvelle région transfrontalière « Saar-Lor-Lux », visant à démontrer que l’art n’a pas de limites…). Elle se bat contre le formalisme muséal et soutient des infiltrations peu
visibles : des interventions urbaines (ex. City Performance n°1, un panneau 3*4m de
Tania Mouraud avec le mot symbolique « NI » sérigraphié sur des affiches publicitaires), dont quelques unes spécifiquement menées dans les espaces verts (ex. une plantation de choux
de Nicolas Floc’h).
Régulièrement, la directrice encourage des propositions artistiques affectant l’Hôtel Saint-Livier – le plus vieil édifice de Metz (XIIème s.) et siège du Frac depuis 2004 – afin d'entretenir le dialogue entre le bâtiment et la collection. Au moment de l'installation (2002-2003), Lara Almarcegui dresse avec soin un état des travaux : elle inventorie tous les matériaux rentrants et, sur une carte géographique, situe les différents endroits de rejet. Le romancier mosellan Thierry Hesse écrit l’historique du bâtiment. Décosterd et Rahm mettent au point une Peinture placebo© avec des concentrés liquides de fleur d’oranger (apaisante) ou de gingembre (aphrodisiaque) destinée à influencer l’humeur des visiteurs. Tania Mouraud produit, quand à elle, une œuvre murale, uniquement lisible du haut du pigeonnier de vingt-sept mètres ; de là-haut, la phrase « How can you sleep » (Comment pouvez-vous dormir ?) émerge…
Durant trois ans, le Frac mène une action particulièrement féministe et n'achète que des œuvres d’artistes femmes [ndlr : sic] : des droits de diffusion de films (ex. ceux de Marguerite Duras, de Jeanne Dielman de Chantal Akerman…), des performances historiques (de Gina Pane, la vidéo >Little Frank and His Carp (2002) d’Andrea Fraser…), puis des actions live potentiellement ré-activables (Intime et personnel d’ Esther Ferrer)...
Dora Garcia, artiste de la collection
En 2001, Dora Garcia explore, avec Insert in real Time, les limites de la performance et se questionne : combien de temps peut durer une performance ? Où et quand finit-elle ? Deux ans plus tard, elle mène au Macba (Barcelone) son projet The Kingdom – elle annonce des prédictions sur ce qui est censé se produire dans les salles (puis, peu confiante en ses dons, paie des acteurs pour les réaliser) – et place une webcam au sein du centre d'art pour surveiller le public.
Dans le prolongement de ces projets, Dora Gracia signe avec le Frac Lorraine un contrat l’autorisant à placer une caméra dans l’espace d’exposition (projet Forever, depuis 2004) – de manière définitive, comme son titre l’indique. L’œuvre est accompagnée sur le Net d’un journal mi-textuel, mi-photographique, relatant une sélection d’événements tenus sur place.
Giovanni Carmine, critique invité en résidence
Depuis octobre 2004, le Frac Lorraine invite en résidence des critiques d’art internationaux afin d'entrevoir la collection sous de nouveaux angles. Ont déjà été accueillis : la Polonaise Aneta Szylak, l’Écossais Will Bradley, le Suisse Giovanni Carmine…
Remarqué en 2005 par Béatrice Josse à l’occasion de son exposition zurichoise « Body Proxy » (une manifestation presque vide sur l’œuvre de Norma Jeane…) dont il assurait le commissariat, Giovanni Carmine est convié à écrire un « scénario d’exposition ». Son texte intitulé « Patrimoine isotrope » répond à l'interrogation : qu’est-ce qui rend aussi cohérente la collection de ce Frac ?
Re-p.org, graphistes du Frac
Depuis 2003, le collectif autrichien Re-p.org est à l’initiative de toutes les publications papier et électroniques du Frac. Leur premier travail consiste à concevoir la signalétique du nouveau lieu, une nouvelle police de caractères. Au sommet de la tour, ils indiquent au lait de chaux les coordonnées du site ‘49°N – 6°E’ et, à sa base, notent chaque année les noms des nouveaux artistes présents dans les collections (entreposées juste derrière le mur).
Leur catalogue, Les collections du FRAC Lorraine, In/Visible (qui vient tout juste de sortir) est indéniablement une nouvelle réussite : tactilement agréable et particulièrement soigné (en noir et blanc, avec des photos aériennes en guise de transition), il est imprimé avec une encre traitée au gingembre… De manière inhabituelle, les titres des œuvres sont immédiatement visibles, alors que les images sont placées en bas de page comme des notes. De cette sorte, le mot prime sur l’aspect visuel.
A explorer : le nouveau site web du Frac qui peut être considéré comme la « version vivante » du catalogue et qui renferme des fiches sur l'ensemble des pièces de la collection, des parcours thématiques, un mode diaporama…
Régulièrement, la directrice encourage des propositions artistiques affectant l’Hôtel Saint-Livier – le plus vieil édifice de Metz (XIIème s.) et siège du Frac depuis 2004 – afin d'entretenir le dialogue entre le bâtiment et la collection. Au moment de l'installation (2002-2003), Lara Almarcegui dresse avec soin un état des travaux : elle inventorie tous les matériaux rentrants et, sur une carte géographique, situe les différents endroits de rejet. Le romancier mosellan Thierry Hesse écrit l’historique du bâtiment. Décosterd et Rahm mettent au point une Peinture placebo© avec des concentrés liquides de fleur d’oranger (apaisante) ou de gingembre (aphrodisiaque) destinée à influencer l’humeur des visiteurs. Tania Mouraud produit, quand à elle, une œuvre murale, uniquement lisible du haut du pigeonnier de vingt-sept mètres ; de là-haut, la phrase « How can you sleep » (Comment pouvez-vous dormir ?) émerge…
Durant trois ans, le Frac mène une action particulièrement féministe et n'achète que des œuvres d’artistes femmes [ndlr : sic] : des droits de diffusion de films (ex. ceux de Marguerite Duras, de Jeanne Dielman de Chantal Akerman…), des performances historiques (de Gina Pane, la vidéo >Little Frank and His Carp (2002) d’Andrea Fraser…), puis des actions live potentiellement ré-activables (Intime et personnel d’ Esther Ferrer)...
Dora Garcia, artiste de la collection
En 2001, Dora Garcia explore, avec Insert in real Time, les limites de la performance et se questionne : combien de temps peut durer une performance ? Où et quand finit-elle ? Deux ans plus tard, elle mène au Macba (Barcelone) son projet The Kingdom – elle annonce des prédictions sur ce qui est censé se produire dans les salles (puis, peu confiante en ses dons, paie des acteurs pour les réaliser) – et place une webcam au sein du centre d'art pour surveiller le public.
Dans le prolongement de ces projets, Dora Gracia signe avec le Frac Lorraine un contrat l’autorisant à placer une caméra dans l’espace d’exposition (projet Forever, depuis 2004) – de manière définitive, comme son titre l’indique. L’œuvre est accompagnée sur le Net d’un journal mi-textuel, mi-photographique, relatant une sélection d’événements tenus sur place.
Giovanni Carmine, critique invité en résidence
Depuis octobre 2004, le Frac Lorraine invite en résidence des critiques d’art internationaux afin d'entrevoir la collection sous de nouveaux angles. Ont déjà été accueillis : la Polonaise Aneta Szylak, l’Écossais Will Bradley, le Suisse Giovanni Carmine…
Remarqué en 2005 par Béatrice Josse à l’occasion de son exposition zurichoise « Body Proxy » (une manifestation presque vide sur l’œuvre de Norma Jeane…) dont il assurait le commissariat, Giovanni Carmine est convié à écrire un « scénario d’exposition ». Son texte intitulé « Patrimoine isotrope » répond à l'interrogation : qu’est-ce qui rend aussi cohérente la collection de ce Frac ?
Re-p.org, graphistes du Frac
Depuis 2003, le collectif autrichien Re-p.org est à l’initiative de toutes les publications papier et électroniques du Frac. Leur premier travail consiste à concevoir la signalétique du nouveau lieu, une nouvelle police de caractères. Au sommet de la tour, ils indiquent au lait de chaux les coordonnées du site ‘49°N – 6°E’ et, à sa base, notent chaque année les noms des nouveaux artistes présents dans les collections (entreposées juste derrière le mur).
Leur catalogue, Les collections du FRAC Lorraine, In/Visible (qui vient tout juste de sortir) est indéniablement une nouvelle réussite : tactilement agréable et particulièrement soigné (en noir et blanc, avec des photos aériennes en guise de transition), il est imprimé avec une encre traitée au gingembre… De manière inhabituelle, les titres des œuvres sont immédiatement visibles, alors que les images sont placées en bas de page comme des notes. De cette sorte, le mot prime sur l’aspect visuel.
A explorer : le nouveau site web du Frac qui peut être considéré comme la « version vivante » du catalogue et qui renferme des fiches sur l'ensemble des pièces de la collection, des parcours thématiques, un mode diaporama…
Par Jean-david Boussemaer
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Vendredi 1 septembre 2006
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A travers une programmation particulièrement étoffée, la saison culturelle « Nova Polska » avait mis à l’honneur la
prégnance des mouvements intellectuels polonais au sein de l’Europe. Deux ans se sont écoulés et le Musée Matisse du Cateau-Cambrésis poursuit l’aventure avec une manifestation consacrée aux
avant-gardes polonaises ainsi qu’aux dialogues historiques depuis Malevitch.
Avec habileté, l’exposition cambrésienne démontre le puissant ancrage de l’unisme au sein de l’histoire de l’art polonais. Etabli
dans les années vingt par Katarzyna Kobro et son compagnon Wladyslaw Strzeminski, ce mouvement est initialement envisagé comme un prolongement des théories suprématistes de leur professeur
Kazimir Malévitch : la création perçue comme un absolu éloigné de toute imitation du monde, une recherche d’infini via les non-couleurs et quelques formes géométriques telles que la croix et le
carré. Tout aussi utopique que le mouvement soviétique, cette forme de création pure trouve très vite de fervents adeptes ; ceux-ci dénigrent de manière unanime le contraste, le rythme
ainsi que la ligne qui scinde l’espace pictural en plans. Selon eux, la toile doit être unie, totalement ouverte afin de former un vaste continuum. Au cœur même de leurs préoccupations, le ton
sur ton blanc envahit inlassablement les compositions. Avec rigueur, la pâte monochrome, onctueuse et atonale est tantôt appliquée de manière lisse, tantôt déposée en léger relief sous la forme
de petites veinules. Un véritable paradis blanc, à la fois ténu et sensible, voit le jour.
Wladyslaw Strzeminski, Composition (1934). Huile sur toile. 60,5 x 44 cm.
Staatsgalerie Stuttgart. © Droits réservés
Staatsgalerie Stuttgart. © Droits réservés
Le second conflit mondial éteint brutalement ce bouillonnement artistique et le régime policier qui lui succède parachève
le gel par la censure. Seul un minuscule local non commercial, de trente mètre carrés, sans fenêtres, ni réserve tient tête au pouvoir : la galerie Foksal. Fondée en 1966 par un groupuscule
d’artistes d’horizons divers, elle parvient — en échange de quelques réalisations de propagande — à entretenir l’avant-gardisme.
Figure marquante de cette époque, le sculpteur Edward Krasinski colle, à partir de 1969, du ruban adhésif bleu de 19mm de large à 130 centimètres de hauteur « partout et sur tout » : sur une œuvre de Daniel Buren dans son atelier parisien en 1970, mais également sur le corps dénudé de sa fille (immortalisé par le photoreporter Eustache Kossakowski)… Un procédé qui singularise les individus et leur donne une véritable présence ; un acte de résistance particulièrement pertinent face aux mouvements de masses prônées par la dictature.
De nos jours, l’abstraction construite trouve toujours de larges échos en Pologne. Quelques artistes contemporains, aux démarches exigeantes et aux œuvres abstraites, nous le prouvent.
Le plus renommé d’entre eux, Roman Opalka, se consacre, depuis 1965, à un œuvre unique intitulé « Opalka 1965/1 » et subdivisé en une succession de « détails ». Avec une impressionnante minutie, l’artiste énumère et trace patiemment avec son pinceau numéro zéro les nombres jusqu’à l’infini. A chaque nouvelle tempera sur toile (dont le format correspond à sa stature debout), il rajoute un pourcent de pigment blanc, enregistre à haute voix et en polonais la dictée des nombres inscrits (à partir de 1968), et finalement se prend en photo (depuis 1972). L’œuvre devient une véritable empreinte, une matérialisation du temps qui s’écoule et inéluctablement tend vers le blanc de la mort.
Autre acteur majeur de la scène artistique polonaise, le poète concret Stanislaw Drozdz s’exprime également par le biais de caractères. Sur un fond blanc quasi clinique, son conceptoforme Miedzy (dévoilé pour la première fois à la galerie Foksal en 1977) est composé de lettres adhésives noires — celles du mot polonais « entre » — démultipliées et scandées sur toutes les parois blanches de l’espace : le rideau d’entrée, le sol, les murs et le plafond. Aux spectateurs de s’immiscer dans l’œuvre pour reformuler le mot, et intimement en repenser le sens.
Figure marquante de cette époque, le sculpteur Edward Krasinski colle, à partir de 1969, du ruban adhésif bleu de 19mm de large à 130 centimètres de hauteur « partout et sur tout » : sur une œuvre de Daniel Buren dans son atelier parisien en 1970, mais également sur le corps dénudé de sa fille (immortalisé par le photoreporter Eustache Kossakowski)… Un procédé qui singularise les individus et leur donne une véritable présence ; un acte de résistance particulièrement pertinent face aux mouvements de masses prônées par la dictature.
De nos jours, l’abstraction construite trouve toujours de larges échos en Pologne. Quelques artistes contemporains, aux démarches exigeantes et aux œuvres abstraites, nous le prouvent.
Le plus renommé d’entre eux, Roman Opalka, se consacre, depuis 1965, à un œuvre unique intitulé « Opalka 1965/1 » et subdivisé en une succession de « détails ». Avec une impressionnante minutie, l’artiste énumère et trace patiemment avec son pinceau numéro zéro les nombres jusqu’à l’infini. A chaque nouvelle tempera sur toile (dont le format correspond à sa stature debout), il rajoute un pourcent de pigment blanc, enregistre à haute voix et en polonais la dictée des nombres inscrits (à partir de 1968), et finalement se prend en photo (depuis 1972). L’œuvre devient une véritable empreinte, une matérialisation du temps qui s’écoule et inéluctablement tend vers le blanc de la mort.
Autre acteur majeur de la scène artistique polonaise, le poète concret Stanislaw Drozdz s’exprime également par le biais de caractères. Sur un fond blanc quasi clinique, son conceptoforme Miedzy (dévoilé pour la première fois à la galerie Foksal en 1977) est composé de lettres adhésives noires — celles du mot polonais « entre » — démultipliées et scandées sur toutes les parois blanches de l’espace : le rideau d’entrée, le sol, les murs et le plafond. Aux spectateurs de s’immiscer dans l’œuvre pour reformuler le mot, et intimement en repenser le sens.
Stanislaw Drozdz, Miedzy (1977). Installation, Galeria Foksal
© Stanislaw Drozdz, 2006. Courtesy Galeria Foksal
© Stanislaw Drozdz, 2006. Courtesy Galeria Foksal
Exilé à New York depuis 1970, Tadeusz Myslowski se penche habituellement sur le dynamisme urbain de la mégalopole américaine et le réinterprète par le biais de l’abstraction géométrique. Contre une cimaise, il agence Towards Organic Geometry, un portefolio constitué de cent soixante-dix tirages offset sur papier japon — des vues de New York graduellement déformées et orthogonalement disposées. Un peu plus loin, il expose également des livres reprenant le même portefolio, qu’il déchire sans vergogne mécaniquement ou à la main. Un geste politique, véritable signe de protestation contre les attentats du 11 septembre 2001.
Deux autres artistes imaginent des alphabets aux graphes originaux. Antoni Starczewski (1924-2000) use d'une pléthore de techniques — alignements de fruits en porcelaine colorée posés sur des tables, structures avec des chevilles en bois accrochées contre les murs, impressions sur papier gaufré… — pour retranscrire des rythmes imaginaires. Et, Andrzej Szewczyk (1950-2001) s’inspire de la religion judéo-chrétienne pour son installation Bibliothèque 2 : un cimetière composé de sept stèles en plomb reposant sur un lit de gros sel d’un blanc immaculé.<
Au cœur même d’une région qui accueillit, au début du vingtième siècle, de nombreux immigrés polonais et artistes, le Musée de Cateau-Cambrésis se révèle idéalement situé pour faire apprécier ces recherches avant-gardistes tout aussi jubilatoires que méconnues. Une initiative locale et salutaire qui tend à prouver qu’en dehors de toute initiative nationale les échanges artistiques au sein de l’Europe ne sont plus une utopie mais bel et bien une réalité.
Musée Matisse du Cateau-Cambrésis
59360 Le Cateau-Cambresis
Renseignements : 03.27.84.64.50
Tous les jours sauf mardi de 10h à 18h
De 3,50 à 7 euros
Quelques liens :
— Site du Musée Matisse
— Site de Roman Opalka
— Site de Stanislaw Drozdz (en polonais)
— Site de Nova Polska (mai à décembre 2004)
Par Jean-david Boussemaer
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